1939年,Buddy Jones錄唱壹首"搖滾媽媽"(Rocking Rolling Mama),其中他有壹句大吼著:"I love the way you Rock and Roll"。 1944年,對貓王曾有極大影響的 Arthur "Big Boy" Crudup 錄"RockMe,Mama"歌詞中也有類似的詞。
1947年,Wild Bill Moore錄唱了"We're Gonna Rock, We're Gonna Roll"。到50年代,也至少有三首有搖也有滾的歌。 1950年,Lilson Jackson唱的"Rocking andRolling",1951年,Dominoes合唱團唱了"Sixty Minutes Man",歌詞中主唱以低音唱出"I Rock, em, I Roll eu, an night long", 1952年, M。Waters有壹首叫"All MightLong"(印刷如此,但疑為Night)的歌,其中有著"Rock Me Baby, RollMe,Wagon Wheel",由此可見,這兩個字過去的使用率算是相當高的。
然而,主持人Alan可以說,他用了Rock&Roll這個詞,並且使年輕人的音樂壹下子紅遍各地。1952年,他把原名Record Rendezvous(與唱片約會)的KYW電臺節目,更名為the MoondogRock & Roll House Party,他之所以敢那麽做,是因為他看到不少年輕人在他的節目廣告的唱片行購買黑人的R&B歌曲唱片,於是Alan試著在他的節目中播放黑人歌曲,他只想看看大家反應如何,沒想到是出乎意外的受歡迎。
約1954-1956年間,R&R取代了R&B,Alan推出的演唱會門票也很快賣光,聽眾已經不在乎演唱者的膚色了。歷史上第壹張搖滾暢銷唱片是1954年,先由The Chords唱紅,再由Crew Cuts重唱的Sh-Boom(Life Could Be A Dream),由於Chords是黑人,美國壹些5萬瓦以上發射功率的電臺拒絕播出黑人的R&B歌,所以,便宜了白人的樂團Crew Cuts,同壹首曲子的重唱版本反而得到了流行歌排行的冠軍。
1955年,Bill Haley的Rock Around the Clock,仿佛是搖滾樂的警報拉起,壹次革命展開了!貓王Elvis在1956年出現。Rock&Roll從1920年以來,便經由黑人的節奏與藍調音樂R&B,影響著美國的流行音樂,它引發的改革有下列幾項:
1、吉它,這個在Blues與Country中被使用的主要樂器,取代了鋼琴,成為流行音樂中的主要樂器之壹。特別是後來的電吉它。
2、小型的,電化的樂隊,取代了以弦樂,管樂,簧樂等部分組合成的管弦樂團。
3、過去大唱片公司控制流行趨勢, A&R人員,好萊塢(西部)或百老匯(東部)的出版公司手操歌手。獨立的唱片公司制作公司紛紛成立並且被看好。
對於只知道金屬與朋克的樂迷來說，或許六十年代到七十年代初期的搖滾樂已經難以呼喚起他們的熱情,那種呼喚愛與和平的精神本質亦顯得不合時宜。但是，特別對於從根本上對搖滾樂缺乏認識與了解的中國樂迷來說，對經典搖滾樂的疏離僅僅是時間的作祟與對時尚無腦的盲從。
在某種意義上，搖滾在六十年代，業已在西方達到壹個後人難以企及的極限高度，這時的極限並非指音樂本身，而主反映它的文化功能與精神內涵；音樂上，亦給當今幾乎所有的搖滾音樂範疇奠定了基礎、指明了方向.我們完全有理由這樣說:從七十年代中後期的搖滾發展到今,人們所做的壹切僅僅是對前輩們所做所為的模仿、消化、補充、完善、伸延、重現，甚至是壹種追趕；當然亦有小群的背叛與遊離。
那些已如恒星般耀於宇宙的經典樂隊現今已基本完善了自己的星系，即是說，任何壹支七十年代以後無論這是在做最先鋒的實驗音樂還是做最媚俗的流行搖滾的樂隊,如果假設他是標圖上的某點，那麽該坐標的原點壹定是某支六十年代的樂隊。這支樂隊的名字在大多數情況下是如雷貫耳的----就算以前默默無名，隨著幾十年蒙蔽塵灰的湮滅，它們堅定而無銹的姓名壹定會凸現而出。而當這些坐標系交錯混雜到壹起時，當今任何壹種古怪、復合性強的搖滾類型都可以追溯回去，並會異常準確，例如The Velvet Underground加Grateful Dead對噪音迷幻廳人灰野敬二的左右，Black Sabbath加King Crimson對巨磨般沈緩的死亡金屬樂隊Cathedral的定格。
這就是祖宗的意義，如華夏的炎黃女媧，雖明知他們僅是不化時代的幾個腰纏葉麻的部落首領，但冥冥之中他們已被神話，幻為非人的神----百姓願意去相信、去供奉，因為他們賦予了人們生存與發展的機會，率領他們擊垮了敵人----就算真有什麽神，亦不會更偉大吧。
如果說以上的文字表達的是懷舊層面上的浮誇，有人眼前壹定會閃現漆彩剝落的廟宇時身著荒草的泥胎木塑或壹些泛黃照片上那些業已死去的領袖先賢的音容笑貌，是說，他們值得去尊敬與緬懷，我們就永不將之忘記，他們的價值在於那些已經枯萎、被裝入骨灰盒的陳功舊績，那真荒誕得可以。
我們必須呼喚藝術的人本精神，當代文化在走向兩個極端的同時卻壹樣地遠離著人性的呼喚----是流行的惡俗時尚，他們將文化責任感改裝成壹道吃進良心、拉出金錢的生產流水線，那只是塑料、鐵和各種化合物，而不會與"人"構成任何關系----如果未算上排泄功能的話；二是自暴自棄的極端分了，他們更象是在社會不斷演變進化過程中分離出的不可避免的副產品：壹些變異細胞甚至毒瘤，藝術的表達成了純個人非理性途徑的發泄，他們沒有文化責任心，脫離大眾正是他們的希冀，他們的誠實正是他們的罪，如後納粹藝術，人性正成為他們自娛自樂的玩具。
那麽，在當今，六十年代的音樂已萎靡了嗎？不如說，當今的人性下在萎靡，在變異、在石化，我們在呼喚的是六十年代的音樂不如說是它雋永的人本精神，而且，特別針對現今對西方搖滾樂的知識仍幾乎是壹片空白的國內樂迷，這些音樂更應是新鮮而有效的（請某些自以為是的資深樂迷摸著良心，想想五年或十年前的自已，想想國內大多數青少年真實的文化素質及營養狀況）。
六十年代的偉大意念有自己完備的獨立性，在當時看來，它不需多置壹詞或刻意營造，但當它放到30年後來看當然就有了壹定的說教性質與攻擊感，有人會問："為什麽要假定今天的青年就該、或願意背負過去時代的光榮而生活？"這似乎有些多余，正如會有人問："為會麽要讓青年去學習嬉皮的吸毒與濫交？"壹樣多余，我們沒有讓任何人去吸毒----我們去響應感召、汲取我們業已丟失的文化理念，用九十年代末的思維模式去辨證地容納六十年代的精神菁華並舍棄它的糟粕，壹切都應是自然而然的，這就象第壹吃橘子的猴子亦會扔掉橘皮壹樣合乎邏輯。
在六十年代，嚴肅文化與亞文化（滸文化）之間的界溝全線崩潰，那些死硬的木乃伊嘴臉的所謂高雅文化被大眾徹底清掃出門，這應緣於現代生存方式、歷史景況與社會結構下人群對文化本質上的要求轉換。頹廢派興起了壹場對保守黨的嘲弄與惡作劇，濫情與縱欲成為十幾歲的青少年最熱衷的話題，在課堂上燃起的摻著大麻葉的香煙，數以萬計的裸體青年頭戴花環在市中心與政府大廈前遊行，他們成立原始氏族自給自早式的聚居公社，墻上畫著雲、鮮花與壹句標語：只要作愛，不要戰爭。微笑、簡單、臟話、大聲、直率、平民主義、充滿激情、生機勃勃----沒有藝術家的偽飾與卓然不群，公是街邊行人的普通與親近隨和，從文化的建構功能上講，亞文化已不自覺地上升到淩駕壹切文化的高度，對於丈夫死於越戰的寡婦，失業後困苦而委頓的青年或整日奔波於生計的市井窮人來說，他們是不會穿上燕尾服與長裙去聽什麽巴赫的，他們只需要能聽懂並且被感動的音樂。
與波普藝術、後現代詩歌小說 （黑色幽默、自由體與尖銳的政治批判）、非百老匯戲劇壹道，搖滾樂更是以壹種文化的面目出現，這在於它在解釋滾音樂演繹手段無限可能性的同時，其音樂文本、演奏方式、服飾、各種行為，當然還有音樂本身所展示的近乎宗教的說服力與親和力為整整壹代青年人的精神世界、處世態度造成了不可估量的影響，許多頗具神性的歌者，如John Lennon、Bob Dylan、Jim Morrison、Janis Joplin、Jimi Hendrix等，用他們的音樂塑造了無數青年的理想的人生觀。
普觀六十年代搖滾文化所倡導的理念，盡管它以波西米亞生活方式、吸毒、極度的性開放、群居、蓄發、罷課、反核 、反戰遊行等行為為它的負載標誌,但和平、博愛的嬉皮思想才是它的主流指向；雖然在現在分析，當時他們僅是用搖滾樂、毒品與性亂盡可能地麻醉自己以去消極的避世與無聊的烏托邦幻覺，但從另壹個角度，這種歇斯底裏的理想主義在逃避與自欺的外層掩護下，更是令當代青年羨慕與尊崇的對人性回歸與唯美追尋的大無謂的犧牲勇氣。 現在，就算有人再設下這個賭局----用生存賭自由，用客觀賭幻想，用酒肉賭鮮花，用金錢名利去賭精神升華，用肉身的歡娛去賭靈魂的解放，特定的生存環境與文化氛圍下誰還有勇所去以百倍的信心與熱情投入這場必輸的賭博？ 問這個赤黃色的社會，問妳我麻木萎靡的靈魂。
由於60年代英雄們的沒落，使得70年代的搖滾樂不是集中在某些著名歌手的身上，而是群 雄紛起，各霸壹方；另壹方面，由於搖滾樂的繁榮，商業性也漸漸顯露出來，唱片商們漸漸摸到了音樂工 業的規律，因而70 年代也充斥著壹些無聊的東西。 60年代搖滾樂的威力就是它改變了整個世界的流行文化，它最大的特點就是其反叛性，人們無法接受"滾石 "、Jim Morrison或Bob Dylon,把他們斥為異端，當成罪惡、動蕩的根源。但搖滾樂以前 所未有的威力擊碎了 人們的心理平衡，10年搖滾的喧囂，使人們漸漸習慣並接受了他。進入70年代，人們不再 感覺搖滾樂的危險 與可怕了。
同60年代比，70年代搖滾樂瘋狂的反叛有所收斂，相對多了壹份頹廢和玩世不 恭，這壹點在70年 代後期的朋克音樂和新浪潮音樂中很明顯地表現出來。 70年代是壹些藝術家們大顯身手的年代，因而搖滾樂在形式上有了更多的實驗色彩。搖滾 樂的概念已不再是" 節奏布魯斯＋鄉村樂＋民謠"了，它成了壹些藝術家的試驗田。他們盡可能地把古典音樂 、電子樂或第三世界 音樂加進搖滾樂中，或改變、避開傳統的搖滾樂形式，因而也就有了純搖滾與先鋒搖滾之 分。
在搖滾樂的實驗田裏，最突出的兩個人物是Brian Eno和Lou Reed。Eno的貢獻在於他在電 子合成器的應用上 使搖滾樂又多了壹個領域，他把古典音樂、爵士樂和搖滾樂用合成器融合在壹起，並以合 成器的特點來表 現。而Lou Reed的作品更富文學色彩，他的音樂是對布魯斯、民謠的再實驗。他和他的樂 隊"地下絲絨"(The Velvet Underground)的第壹張唱片幾乎無人問津，但聽過這張不堪入耳的唱片的人後來 幾乎都成了搖滾歌 星。
70年代搖滾樂有個有趣的現象：在當時遭到批評家攻擊最多的，在今天卻被人津津樂道； 而當時使人們激動 得昏頭轉向的音樂，現在便被唾為垃圾。80年代搖滾樂太貧乏，70年代有個性的搖滾樂當 時還不能完全被人 接受，所以今天人們給70年代來個舊貌換新顏。當時比較著名的"雄鷹"(Eagles)、"REO快 車"(REO Speedwagon)等今天人們才覺出他們無非是既要賺點錢，又要裝出壹副反叛的樣子而已， 被稱為"油滑搖滾 "(Slik Rock)。而另外壹些人，象Bob Dylon的<<血的蹤跡>>、Neil young的<<今晚夜 >>(Tonight`s Night)、Mott The Hoople的< >等，他們追求鄙陋、怪異、混亂，阻止了那些專業 歌手去炫耀他們的音 樂技巧，並令人震驚地創造出了七十年代最好的搖滾樂。
70年代搖滾樂之二：
The Velvet Underground The V. U. 的音樂毫無商業價值，他們的4張唱片在當時的銷量可能還及不上Michael Jackson 壹天的唱片銷 量，他們似乎對噪音更感興趣，並嘗試著用音樂表現出來，這也使他們的音樂趨於低調、 消沈。
他們在1967 年的第壹張專輯< >中的歌如果拿到電臺裏去播放，人 們的吃驚程度不會亞 於哪個政變者占領了電臺。在7分多鐘的"海洛因"裏，吉它和小提琴制造了最難聽、最刺 耳的噪音。Reed 木 然唱著"海洛因，妳是我的生命支柱，妳是我的妻子"。今天不少人為能得到這張原版唱片 而感到自豪，但這 張與眾不同和令人難以忘懷的唱片，在當時卻無人知曉，大約只有幾千人聽過。評論家們 壹致認為：這張唱 片的出現提早了十年。 The V. U. 的音樂聽上去再簡單不過，他們打破了民謠、鄉村和搖滾樂的形式而重新詮釋 。
他們是後來的朋 克音樂的先驅。The V. U. 把他們的音樂主題擴展到社會生活的各個領域，從吸毒、同性 戀、心理變態到現 代藝術思維的再現。The V. U.的那種招人厭惡的聲音至今仍使人驚駭不已，但它仍會使 許多人興奮、顫抖， 它們的出現，標誌著原始藝術和簡單藝術的再生。
70年代搖滾樂之三：
藝術搖滾 在搖滾前面加上"藝術"壹詞是什麽意思呢？ 簡單地說，藝術搖滾是指從60年代開始的壹種把古典音樂與搖滾樂結合在壹起並由此產生 的壹種音樂。所謂" 前衛搖滾"、"實驗搖滾"、"先鋒音樂"等名詞實際上是從不同角度來概括藝術搖滾。"前衛 搖滾"、"實驗搖滾" 是藝術搖滾中搖滾樂與"先鋒音樂"的結合品，"先鋒音樂"是指偏離了嚴肅音樂方向，借助 新興科技手段，用 前人所未嘗試過的音樂結構，用新的音樂語言來表達壹種現代思維與意識，它同樣對意識 搖滾有著深遠的影 響。藝術搖滾是"前衛搖滾"、"實驗搖滾"的泛稱。
最初，壹些藝術搖滾樂隊不過是模仿古典音樂家的作品，他們通過搖滾樂的形式，在吉它 、貝司、鼓的後面 加進管弦樂，或是用電子合成器模仿管弦樂，並用古典音樂的音樂結構。這種對古典音樂 拙劣的模仿給人的 感覺便是附庸風雅。隨著藝術搖滾的不斷發展，這種風格也漸漸成熟，壹些藝術搖滾樂隊 ，入"克裏姆國王 "(King Crimson)等已能駕馭古典音樂與搖滾樂了，並把它們融合成壹種嶄新的音樂，同 時又不失古典音樂、 搖滾樂與電子音樂的特色。
藝術搖滾並未能象藝術那樣永存，而是象其它風格的搖滾樂壹樣，大起大落之後便成了歷 史。為什麽藝術搖 滾沒能象重金屬那樣長盛不衰？也許這還是藝術本身的問題。藝術，壹直被認為是壹種遠 離大眾之上的意識 形態，它越高雅，就離大眾越遠。再者，搖滾樂本是壹種最大眾化的東西，這是它枝繁葉 茂的基礎，而藝術 搖滾恰恰強調了藝術品位和實驗色彩，而這壹結果使它失去了更多的聽眾。它可能成為少 數批評家筆下的寵 兒，但不是大多數聽眾所接受的。
70年代搖滾樂給人壹種強烈的貴族氣息，但隨著英國經 濟的滑坡，這種貴 族氣息被喧囂的朋克運動吹得壹幹二凈，藝術搖滾也很快讓位朋克搖滾。 但這並不是說藝術搖滾是失敗的，相反，它是很成功的。試想，搖滾樂史上哪個時期能象 70年代藝術搖滾這 樣富有超前的探索性，出現了許許多多劃時代的經典作品，這些作品是輝煌的、令人激動 的。藝術搖滾第壹 次打破嚴肅音樂與搖滾樂的界限，它使搖滾樂變得豐富、復雜。藝術搖滾告訴人們搖滾樂 不僅僅是節奏和布 魯斯。 正象迷幻搖滾只屬於60年代那樣，藝術搖滾只屬於70年代，既然世間萬物的輝煌都是瞬間 即逝，那麽我們對 藝術搖滾的短暫輝煌也沒有什麽可遺憾的了。
70年代搖滾樂之四：
藝術搖滾樂隊 值得壹提的是"憂郁布魯斯"樂隊，它本是壹支節奏布魯斯樂隊，但它同樣因把古典音樂融 進搖滾樂而稱為壹 支藝術搖滾樂隊。他們1967年的壹張帶有濃郁的古典風格的專輯<<未來的日子壹天天過去 >>(Days Of Future Passed)使他們大獲成功，這張專輯是樂隊與倫敦交響樂團***同錄制的，被譽為搖滾樂與 古典音樂結合最成功 的範例，電子樂與交響樂精妙地融合在壹起，還有華麗、浪漫的音樂及極富哲理與詩意的 歌詞。但這支唯美 主義色彩的藝術搖滾樂隊也只是在70年代的作品令人嘆服，到了80年代已淪為壹錢不值的 流行樂隊了。
另壹支令人難以忘懷的是Pink Floyd樂隊。在60年代，他們是迷幻搖滾風格，但自希德－ 巴瑞特離隊後， 巴瑞特離隊後， Pink Floyd的風格開始有所改變，Rick Wright的電子合成器漸漸有了用武之地，由於他 們在60年代末接二連 三地錄制電影音樂，因而給他們提供了音樂實驗的機會。Pink Floyd的電子樂實驗不是對 節奏、音樂結構的 實驗，而是側重聲響模擬和音響效果。因此，這個時期的音樂同以前相比，搖滾樂似乎變 得平淡無奇。
此後，他們開始重視音樂從頭至尾的連貫性和整體感了，這壹實驗的結果最終完美地體現 在1973年的<<月之 暗面>>(Dark Side Of the Moon)裏，這張專輯的成功使樂隊的發展有了新的方向，即更 加關註社會，從<<月 之暗面>>之後，Pink Floyd的作品已不單單追求實驗性了，如果說以前他們追求的是超現 實主義風格的話， 那麽，後來他們又會到現實主義中來，他們在強調整體感、背景音響運用的同時，作品的 內涵漸漸深刻，冗 長的音樂構架使樂隊在後來的幾年間錄制了出色的專輯，如< >、 < >、< >等。
樂隊風格如此改變，使Roger Waters漸漸成了樂隊的主要領袖，<<月之暗面>>中所展現出 他非凡的才華，使 這位樂手逐漸對社會、政治發生興趣，他們的實驗搖滾變成了社會搖滾、是Roger Waters嘔心瀝血的結晶，但也使他自己被包圍在政治氛圍內的壹堵墻裏，過分地用搖滾樂 表現政治，在< Final Cut>>及他個人的幾張專輯裏，政治成了必不可少的調味料，背景音響的運用也達 到了泛濫的地步。因 而，對Pink Floyd來說，真正的實驗性的音樂在1969-1973年之間。
70年代搖滾樂之五：
在任何壹種藝術形式的發展過程中，總會有這樣壹種現象，即被後人認作極有價值的東西 ，往往在當時總是 孑然孤寂，知音寥寥。搖滾樂也不例外，尤其是那些具有實驗性的前衛搖滾樂。作為壹個 真正的搖滾樂手， 他不會願意讓藝術去遷就商業的需要。他追求的只是如何使自己的真實情感和思想通過音 樂得到充分的表現 和釋放。
如果妳喜歡這種音樂，妳決不會僅僅感到它只是壹種感官上的舒適或滿足，還可 能是壹種思想的震 撼和精神的***鳴。因為它敢於撕毀壹切虛偽的粉飾，用真實的眼睛去表現壹切的真實，無 論是善的，還是惡 的；是美的，還是醜的。而後人認作其具有價值的東西，也無非是這些因素，包括他們所 作出的犧牲。
試問搖滾樂界最吵最鬧最噪的音樂是什麽，勿庸置疑，自然是hardcore（硬核）和INDUSTRIAL（工業），雖然它們音量都很大，但要區分這兩者十分之簡單。HARDCORN是PUNK樂在美國的另壹稱謂，它自然要比英國PUNK更極端。其特點是加大 分貝的簡單和弦和快速的鼓點配以罵街式的唱腔，其歌詞充斥著對社會的不滿（多 浮於表面現象）。
而具有同樣音量的INDUSTRIAL則相反，它源於電子樂，音色相對 於PUNK來說更接近METAL，樂隊壹般至少裝備采樣機和鼓機，由於INSDUSTRIAL與E LECTRIONIC是近親，故使人聽起來感覺相對陰暗，同時它的歌詞壹般健身於自省、 自責、虛無和幻化，正是這些因素促成產生了為數眾多的工業搖滾死硬派。INDUS TRIAL樂界最響亮的名字無疑是NINE INCH NAILS，他們1994年憑著壹張《THE DOW NWARD SPIRAL》紅透了整個美國，主唱及樂隊靈魂TRENT REZNOR的影響力恐怕不在 KURT COBAIN之下。
另壹隊班霸則要數MINISTRY了，從80年代的電子樂隊開始，日 漸低調，終於演變成了今天的INDUSTRIAL BAND。不過，這裏要介紹的並非這兩者 ，因為有關他們的文章也不在少數，我要介紹的壹些不為大家所熟知的老將和新秀。
MEAT BEAT MANIFESTO
MEAT BEAT MANIFESTO成軍於1989年，現簽約於NOTHING旗下，其靈魂人物J ACK DANGERS來自舊金山的海灣地區，理所當然，他是壹名采樣好手。MBM的音樂是 HIP HOP與INDUSTRIAL DANCE的合成物，其標誌是JACK DANGERS壹手貝司演奏絕活 噪音之間空靈氛圍的鋪陳。總體來說，MBM的作品不太吵鬧，但與大多數優秀的IN DUSTRIAL樂壹樣，在並不多的歌詞中充斥著失意和自毀，並且時不時引發DANGERS 輕微的憤怒。MBM的專輯《ARMED AUDIO WARFARE》和《STORM THE STUDIO》直接促 成產生了現今電子樂界的兩大重要派別：BIG BEAT和DRUM &BASS，並且影響了許多 後來人，這其中便有PRODIGY和CHEMICAL BROTHERS，當然就與SONIC YOUTH沒有NI RVANA那麽流行壹樣，MBM的知名度遠不及PRODIGY等樂隊，甚至MBM今年為PRODIGY 在美國的巡演做了幾場暖場演出，DANGERS對此壹點不作計較。隨著隊齡的增大， MBM的音樂開始多樣化，藝術性也得到了升華。其新專輯《ACTUAL SOUNDS AND VO ICES》雖保留了MBM許多標誌性的東西，但又新加入了JAZZ、JUNGLE、迷幻等元素 使許多歐美樂評家對它壹致叫好。
SKINNY PUPPY
電子可能分為許多支派，如POWER ELECTRONICS、DRUM&BASS、P ROG ROCK和INDUSTRIAL等，但他們可能永遠不會忘記這個名字：SKINNY PUPPY。S P成立於80年代後半期,由主唱OGRE，鍵盤手DWAYNE GOETTEL和CEVIN KEY組成，他 們幾乎就是工業搖滾的同義詞，並且不斷影響著後來人。如果妳看過主唱OGRE現場 的臺型，就會發現原來MARYLIN MANSON也並非什麽新事物。SP的另壹要人CEVIN K EY有濃厚的陰暗癖，他喜歡廉價的合成器，鼓機和采樣機，使之產生壹種不和協、 富於邪惡感的聲音，造就了電子版的THRASH METAL和死亡DISCO，再配上OGRE蒼白 無力卻富有張力的嗓音，壹度使許多人把SP誤解為壹隊哥特樂隊。當然SP是壹支先 鋒工業搖滾樂隊，它的出現直接推動了日後工業音樂的發展，使之成為壹種獨立的 樂派。其經典專輯首推92年的《LAST RITES》。由於SP的成員有不少邊緣組合，外 加OGRE壹度 聊綞酒分?校琒P最終難逃解散的厄運，不過值得慶幸的是，這些老將 並沒有就此消沈，他們各自都在不斷地磨礪自己的音樂天賦。CEVIN KEY已經與其 他樂手合作推出了不少個人作品，最值得稱道的是1997年的作品《MUSIC FOR CAT S》，而OGRE在今年美國樂壇也可謂出盡風頭，他與工業樂界著名鼓手前PUBLIC I MAGE LTD.成員MARTIN ATKINS組成了壹隊臨時組合RX， 推出了專輯《BESIDE TOX ICOLOGY》，成為了今年少有的優秀專輯。在這張專輯中，妳可以聽到節奏性的小 爆炸聲，尖利及短促的刮碟聲，英格蘭的牧場背景以及SYD BARRETT式的酸性元素 ，總而言之，如果妳對工業搖滾已經厭倦，那麽這張專輯將使妳重新回到它的懷抱 。RX的意義何在？用MARTIN ATKINS的話來說就是，他要在工業音樂的棺材上點壹把火。
GRAVITY KILLS
這支來自聖路易斯的四人樂隊確實是壹支非常幸運的樂隊。他們95年簽約於 大公司TVT旗下，第壹張同名專輯就獲得了金唱片的銷量，隨後就與業界巨人SEX PISTOLS隨行演出，97年REMIX專輯《MANUFACTURED》又獲得了工業音樂界眾多名字 的鼎力相助，與之相伴的自然是他們知名度的直線上升。他們的作風有點像英國的 BUSH，也就是緊隨潮流，而且力爭做的最好。第二張專輯《PERVERSION》已於近期 問世，它是壹張不折不扣的搖滾專輯，當然旋律較為流行，而且在此基礎上還是能 讓壹般樂迷在聽了他們的唱片後獲得壹些新的東西，因為他們在其中加入了BLACK SABBATH的風格和哥特氛圍，水平比其前張專輯大有提升。隨著知名度的提高，現 在的GRAVITY KILLS已獲得了壹個美名“五寸釘”。
ORGY
ORGY又是壹支新晉樂隊，他們簽約於KORN的主唱JONATHAN DAVIS的唱片公司ELEMENTREE旗下，由於現在KORN在美國大紅大紫，所以許多KORN忠實歌迷自然愛屋 及烏把ORGY也捧上天。但就我認為，ORGY紅的有道理。ORGY的音樂聽上去有點像R AGE AGAINST THE MACHINE 與WHITE ZOMBIE的合成物，也就是說是KORN式的金屬唱 腔外加工業舞曲的結晶。但是事實與人所料相反，ORGY的音樂卻並未愛他們的影響 ，他們的音樂，用吉它手RYAN SHUCK的話來說是深受了DURAN DURAN和DAVID BOWI E的影響，他們將自己的音樂稱之為DEATH-POP，這支五人樂隊人如隊名，穿戴實在 豪華：染發、緊身襯衫、緊身西裝、發亮的皮鞋、金表構成了他們的裝束，在酷斃 的外型下，他們確實有不少音樂上的絕活，其98年首張專輯《CANDYASS》廣受歐美 樂評家的稱贊。有點像NEW ORDER的旋律，但卻是加重了分貝的工業舞曲節奏壓迫 式地向妳砸來，再配上主唱JAY GORDON英國式不羈的唱腔，可謂獨有分味。總而言 之，《CANDYASS》值得壹聽。
其實工業音樂界叫的響的名字還有很多， 像KMFDM、PIGFACE等，另有不少 專註於工業音樂的獨立唱片公司，如21ST CIRCURITY、PENDRAGON等。順便提壹下 ，唱片工業的希望---NIN（九寸釘）5年磨壹劍的新專輯《THE FRAGILE》將於明年 初問世，屆時相信諸位樂迷壹定能鄰略到工業搖滾的迷人之處和新的發展動向。
搖滾史上影響最"壞"的十人
搖滾歷史上每天都有可能誕生偉大的人物，他們指不定哪壹天冒出來成為壹個明星並影響壹批又壹批的人，被影響的人也大都夢想成為明星並且名垂青史。妳當然數不清Beatles的出現催生了多少個留著蘑菇頭的演唱組，也不知道在Led Zepplin之後又多少重金屬樂隊誕生。但是妳能知道沒有“伍迪 格思裏”就不會誕生Bob Dylan；沒有Rolling Stone,就不會有AeroSmith；沒有“飛鳥”（The Byrds), R.E.M的音樂也不會是今天的這個樣子。
音樂的愛好和唱片業的操作決定了許多音樂家的音樂之間會有必然的聯系，有時這種聯