油畫的主要材料和工具有顏料、畫筆、小刀、畫布、清漆、畫框等等。
①顏料可分為礦物和化學合成兩大類。最初的顏料多為礦物顏料，手工磨成細粉，作畫時調和而成。
到了近代，被工廠批量生產，裝入錫筒，顏料的種類也越來越多。顏料的性質與其所含的化學成分有關。調色時，化學作用會引起壹些顏料之間的不良反應。
因此，掌握顏料的性質，有助於充分發揮油畫技巧，使作品色彩長久不變。(2)刷子，用彈性適中的動物毛發制成，有尖尖圓、扁尖平、短尖平、扇形等。
(3)畫刀又稱調色刀，由彈性薄鋼片制成，有尖形和圓形之分。它用於在調色板上均勻混合顏料。很多畫家也用刀代替筆，直接用刀作畫或者在畫布上部分形成顏料層和紋理，增加表現力。(4)帆布(Canvas)，標準的帆布，是將亞麻布或帆布在木制內框上拉伸，用膠水或油與白粉混合，塗在布的表面而成。
壹般做成不吸油有壹定圖案效果的粉底，或者根據創作需要做成半吸油或全吸油的粉底。布紋的粗細取決於畫框的大小和繪畫效果的需要。
布面的畫師用畫有背景色的畫布，容易形成統壹的畫面色調，也能在繪畫時不經意間透露出背景色。畫完之後，不吸油的木頭或者紙板也可以代替畫布。
⑤上光，壹般在油畫完成幹燥後，用清漆覆蓋，以保持畫面的光澤，防止氣蝕和汙損。⑥畫框，壹幅完整的油畫包括畫框，尤其是寫實性很強的油畫。框架形成了觀者對作品視覺的邊界，使畫面顯得完整而集中，畫中的物體在觀者的感覺中向縱深發展。
畫框的厚度和大小取決於作品的內容。古典油畫的外框多為木質和石膏材質，現代油畫的外框多為鋁合金等金屬材質。
2.油畫小貼士
妳好，我是美院的學生。我的油畫無法用三言兩語表達，但還是希望能給妳壹些幫助！
油畫的表現力在於其工具的多樣性！刮刀是最常見的工具，也就是壹把平刀，可以用來挑出顏料或者塗顏色。有時候，我們只是用刮刀代替畫筆，讓畫非常大氣，色彩豐富。當然細節會用筆修飾。用的筆也有軟有硬，用粗硬的筆畫出來的畫更有質感。
如妳所說，樹枝的條紋和網狀是用紗布和細鐵絲網畫的。
而沙子，壹般噴漆店都會提供，自己找就可以了，只要是細的，附著力比較大的就行。
不知道妳現在開始畫了沒有。壹般畫油畫的準備都很復雜。妳得定框，擦亮畫布，買油畫顏料，油筆，木調色盤，松節油，彩油等。，而這些前期工作都必須準備好。
可以買壹些專業的書來看，收獲會更大！
不管妳有沒有基礎，畫畫都是壹件很享受的事情。願妳幸福！
3.美術繪畫基礎知識
註意線條的明度、流暢度和粗細，這樣畫面才能有空間感和層次感。想要快速掌握，僅僅靠考理論知識是達不到目的的。妳必須堅持畫素描。寫生是提高線條質量和技巧的必要途徑，同時可以提高妳各方面的繪畫能力。妳要臨摹大師的素描，不僅要看，還要看他的線條在不同的方向是怎麽用的，粗不粗。它輕還是重？時間久了，妳會發現，雖然妳用眼睛看不到屏幕上的壹些線條，但妳能感覺到線條在那裏的存在，這就是所謂的意義不可及。有些地方不壹定要用線條來表達，觀者能明白其中的道理，這樣整個畫面線條就不繁瑣，每壹行都有自己的意義。記住沒有意義的臺詞是絕對不加的。要精，要準，要準。
色彩搭配除了必要的理論知識外，更重要的還有欣賞生活中的色彩，這既需要感性知識，也需要理性知識。既然是藝術，感性認識往往大於理性認識。很多大師的色彩搭配讓人看起來很有新意，但又不乏理性，即在理性認識的基礎上，充分發揮感性認識。色彩也講究空間感、層次感和美感，這涉及到很多東西，比如。每壹種色調在生活的每壹個領域都有廣泛的應用，所以要提高配色的意識，就要多去感受生活中的事物，多看看法國等國外時尚設計中的配色，多看看著名油畫中的經典配色。多看會發現，配色豐富多樣，不是壹成不變的，配色沒有對錯，只有美醜。
4.學習油畫需要註意什麽？
油畫的主要材料和工具有顏料、刷子、小刀、畫布、上光油等等。
①顏料可分為礦物和化學合成兩大類。原顏料多為礦物顏料，手工磨成細粉，作畫時調成鼻出血。
到了近代，被工廠批量生產，裝入錫筒，顏料的種類也越來越多。顏料的性質與其所含的化學成分有關。調色時，化學作用會引起壹些顏料之間的不良反應。
因此，掌握顏料的性質，有助於充分發揮油畫技巧，使作品色彩長久不變。(2)刷子，用彈性適中的動物毛發制成，有尖尖圓、扁尖平、短尖平、扇形等。
(3)畫刀又稱調色刀，由彈性薄鋼片制成，有尖形和圓形之分。它用於在調色板上均勻混合顏料。很多畫家也用刀代替筆，直接用刀作畫或者在畫布上部分形成顏料層和紋理，增加表現力。(4)帆布(Canvas)，標準的帆布，是將亞麻布或帆布在木制內框上拉伸，用膠水或油與白粉混合，塗在布的表面而成。
壹般做成不吸油有壹定圖案效果的粉底，或者根據創作需要做成半吸油或全吸油的粉底。布紋的粗細取決於畫框的大小和繪畫效果的需要。
有些畫家用畫有背景色的畫布，容易形成統壹的畫面色調，也能在繪畫時不經意間透露出背景色。畫完之後，不吸油的木頭或者紙板也可以代替畫布。
⑤上光，壹般在油畫完成幹燥後，用清漆覆蓋，以保持畫面的光澤，防止氣蝕和汙損。
5.求油畫小技巧。
壹種用透明植物油混合顏料的繪畫，在布料、紙張和制成的木板等材料上創造出藝術形象。它起源並發展於歐洲，近代成為世界上重要的繪畫。15世紀以前歐洲繪畫中的蛋彩畫是油畫的前身。在使用蛋彩畫法的同時，許多畫家繼續尋找更理想的調和劑。
壹般認為，15世紀初荷蘭畫家範·埃克是油畫技法的創始人。他們在以往嘗試用油溶解顏料的基礎上，用亞麻油和核桃油作為調和劑進行繪畫，使繪畫流暢，顏料在畫面上幹燥時間適中，在繪畫過程中易於多次遮蓋和修飾，形成豐富的色彩層次和光澤度。幹燥後，塗料附著力強，不易剝落和褪色。他們使用新的油畫材料進行創作，這在當時的畫壇是很有影響的。油畫技術很快傳播到其他西歐國家，尤其是意大利的威尼斯。
油畫材料和工具
油畫的主要材料和工具有顏料、畫筆、小刀、畫布、清漆、畫框等等。
①顏料可分為礦物和化學合成兩大類。最初的顏料多為礦物顏料，手工磨成細粉，作畫時調和而成。到了近代，被工廠批量生產，裝入錫筒，顏料的種類也越來越多。顏料的性質與其所含的化學成分有關。調色時，化學作用會引起壹些顏料之間的不良反應。因此，掌握顏料的性質，有助於充分發揮油畫技巧，使作品色彩長久不變。
(2)刷子，用彈性適中的動物毛發制成，有尖尖圓、扁尖平、短尖平、扇形等。
(3)畫刀又稱調色刀，由彈性薄鋼片制成，有尖形和圓形之分。它用於在調色板上均勻混合顏料。很多畫家也用刀代替筆，直接用刀作畫或者在畫布上部分形成顏料層和紋理，增加表現力。
(4)帆布(Canvas)，標準的帆布，是將亞麻布或帆布在木制內框上拉伸，用膠水或油與白粉混合，塗在布的表面而成。壹般做成不吸油有壹定圖案效果的粉底，或者根據創作需要做成半吸油或全吸油的粉底。布紋的粗細取決於畫框的大小和繪畫效果的需要。布面的畫師用畫有背景色的畫布，容易形成統壹的畫面色調，也能在繪畫時不經意間透露出背景色。畫完之後，不吸油的木頭或者紙板也可以代替畫布。
⑤上光，壹般在油畫完成幹燥後，用清漆覆蓋，以保持畫面的光澤，防止氣蝕和汙損。大壹油畫提醒妳，新油畫至少要幾個月甚至幾年才能真正幹透。幹燥和上釉不充分會使水分無法消除，損害油畫的長期保存。
⑥外框，壹幅完整的油畫包括外框，尤其是寫實性很強的油畫。外框形成了觀者觀看作品的邊界，使畫面顯得完整，集中繪畫中的意象在觀者的感覺中向縱深發展。畫框的厚度和大小取決於作品的內容。古典油畫的畫框多為木質和石膏材質，現代油畫的畫框多為鋁合金等金屬材質。大壹油畫提醒妳，現成的畫框通常是按照通常的畫布規格制作的，但是很多名畫的尺寸並不是通常的規格，所以妳在訂購復制品油畫時要考慮尺寸與畫框的匹配。
6.初學油畫需要註意什麽？
1:準備好所需材料！如(顏料\油畫筆\松節油\油畫專用油\油畫調色盤\廢報紙\油畫刀)2:最好用定制的油畫鏡框，壹般是木質鏡框！拉伸帆布(亞麻布)！(想幹嘛就幹嘛)。然後刷三遍白乳膠！壹定要刷到位！幹了就可以畫了！這些東西在藝術品商店都有！大學附近也有！壹個框架半開的話，加布的價格在20元左右！如果妳有什麽具體的問題，請在妳的問題下面留言！那我給妳解決！有專門的入門書籍，從畫布和配色開始。
妳學過水粉，應該有素描基礎。我相信妳很快就會掌握它。還有就是刷壹層白乳膠就行了(厚度自己控制，效果會不壹樣)。只要不漏油，我在日常練習中經常這樣塗，效果還是挺好的。
但這種畫不利於保存和展覽。可以試著畫在木板上，用膠水塗上去，會感覺很好，也容易保存。油畫和水粉畫在畫法上是相似的。如果妳有水粉底子，應該可以很快上手，但是油畫肯定沒有水粉幹的快，所以遮蓋的時候要用壹些小技巧:可以幹了再塗(不要完全幹，只要不影響顏色覆蓋就行)，也就是壹次塗壹層。先做底漆，做底漆的時候用快幹油，然後快幹油的量要壹層壹層減少。如果疊色時發現需要修改，要用刮刀刮下來。個人然後介紹壹下油畫需要的工具:油畫顏料(馬利、溫莎牛頓最好不要買美邦的)、油畫筆(主要是圓鬃、扇形筆、描繪細節的小尖筆)、畫框、色油、快幹油、刮刀、調色盤、塑料糊(壹般剛買的木質調色盤會吸油，所以表面最好塗壹層塑料糊)。把報紙撕成小塊擦筆(油畫筆比較臟，不像水粉，只能用報紙擦)，松節油(既可以調色，也可以洗筆，這裏的洗筆是指妳每天畫完壹段時間不畫的時候才用的方法。不清理刷子，下次筆就幹了很難洗，差不多就報廢了)。這些幾乎都能滿足妳的油畫願望~最後提醒妳，油畫需要紮實的基礎，需要長時間的刻苦練習，不是壹句話就能說明白的。藝術沒有捷徑，只有多練，多看，多問，挫折才是油畫筆根上色的方法。壓筆後稍有頓挫再提起，如書法，渾厚紮實。
筆尖和筆根的顏色不同，筆桿的輕重方向不同，可以產生很多變化和趣味。用寬大的油畫筆或扇面筆輕拍，然後在畫面上輕輕拍打的手法叫拍。
拍打可以產生壹定的起伏紋理，既不十分明顯，也不太簡單。也可以對原本強烈的筆畫或色彩進行處理，使其減弱。拓印是指用筆在屏幕上直接操縱兩種或兩種以上不同顏色的方法。色彩經過處理後，產生自然的混合變化，獲得微妙明亮的色彩和明暗對比，並能起到過渡的作用。
線條指的是用鋼筆畫出的線條，油畫線條壹般都標有柔中有銳的線索，但在不同的風格中，圓頭、校對、老扁筆也能畫出類似於強書心的粗線條。壹開始，東方和西方的繪畫都是以線條為模型的。在早期的油畫中，草稿通常用精確而嚴謹的線條輪廓來繪制。在天婦羅技法中，排線的方法是形成明暗的主要手段。
西方油畫演變成明暗和體頭只是後來的事，但即便如此，油畫中的中線因素也受到了不褪色的影響。細長、豪放、工整或隨意的線條的運用和反復的重疊、交疊，使油畫的語言更加豐富，對不同身體線條的處理更為重要。
東方繪畫中對線的使用也影響了許多現代西方大師的風格，如馬蒂斯、梵高、畢加索、米羅和克利。油畫油畫是西方繪畫中的壹個主要畫種。
通過將顏料與快幹油混合在經過處理的帆布、木板、厚紙或墻壁上作畫的藝術。早期的油畫采用“Tempere”的技法，即以蛋黃或蛋清為調料，混合礦物顏料，再塗上壹層薄而透明的油蓋。
15世紀，荷蘭的畫家是誰？艾可兄弟改用亞麻油、核桃油等快幹油作為調和劑，使顏色易於調和，被廣泛使用。其特點是筆觸自由，可逐層鋪設，能提高色彩亮度，充分表現物體的真實感和豐富的色彩效果。
從那以後，新的材料和技術傳遍了整個歐洲。在哪裏？艾可兄弟因此被稱為歐洲油畫的創造者。
20世紀初，中國學習油畫的人越來越多，其中李叔同(1880-1952)最早學習油畫，並將這種技法引入中國。這確實是所有漫畫家都在問的問題:畫漫畫是壹項艱苦的工作，未來看起來並不那麽光明。我們做什麽呢在這種環境下，我不會走純漫畫的路線，而是傾向於在藝術家和漫畫家之間找到更合適的方向，然後才能走出壹條不壹樣的路。
因為妳只畫漫畫，出路太少，別說家人，連妳自己都會對自己失去信心。創造是壹種行動。妳捫心自問。有時候可以少睡兩個小時，多畫兩頁漫畫。時間自己安排，而不是每天晚上堅持睡八個小時然後說時間不夠。
但就目前而言，很少有人這麽努力，不惜壹切代價去畫畫，而是把時間放在其他事情上。不急著慢慢安定下來...因為小孩子不重視權力和金錢的重要性，所以藝術家最容易像小孩子壹樣無視金錢和權力，不去涉足這些東西，才能做出好的作品。
這壹點可以從之前的藝人身上得到證明。我們應該盡力平衡壹切。
7.藝術小貼士
藝術通常是指繪畫、雕塑、工藝美術、建築藝術等，它們在空間中進行，表達並訴諸於人的視覺。
十七世紀歐洲開始使用這個名稱時，泛指繪畫、雕塑、文學、音樂等具有美學意義的事物。當我在五四前後開始普遍使用這個詞時，它也有相當於整個藝術的意思..
例如，魯迅在1913年解釋“藝術”壹詞時寫道:“藝術是壹個詞...翻譯自英文love。愛雲的人原籍希臘，他們的友誼是藝術。
不久後，我國用“藝術”壹詞翻譯了“愛情”，“藝術”壹詞成為專指繪畫等視覺藝術的名稱。造型表現手段:造型藝術中創造藝術形象的技巧和手段。
如借助色彩、明暗、線條、解剖、透視作畫；雕塑靠的是體量和結構。這些技法和手段，通過長期的藝術實踐，形成了這些造型藝術獨特而特殊的藝術語言，決定了這些藝術不同的表現規律，關系到造型藝術形象的成敗和藝術作品的感染力。
藝術家對造型表現手段規律性的不斷探索和提高，是藝術創作表現新的生活內容，滿足人們不斷發展的審美愛好的必要條件。黃金分割也被稱為黃金律和黃金比例。
在壹條線段上，按照最優的長寬比將線段分為長段和短段，或者按照最優的長寬比形成壹個矩形的長邊與短邊的最優比，即黃金分割。二次元繪畫術語。
指長度(左右)和高度(上下)組成的平面空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，我們常常運用透視、明暗等造型手段，在第二空間的平面上創造出物象的深刻感和立體效果，也就是用第二空間創造出自然物的三維空間的錯覺。
有些畫，比如裝飾畫、圖案畫，並不要求很強的深度效果，而是刻意追求第二空間的平面意義，以獲得藝術表現力。立體畫術語。
指長度(左右)、高度(上下)、深度(縱深)組成的三維空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，需要在平面上表現出三維空間的立體感和縱深感。
肌理繪畫、雕塑等造型藝術通過不同的表現手法在作品中表現各種物體的特征，如絲、皮、水、石等不同的質性特征，給人以真實感和美感。借助明暗、色彩、線條等造型因素，量感表達的是對壹個物體的重量、粗細、大小、數量的感受。
如巖石的莊嚴，風煙的輕盈。繪畫中所有表現現實的物體都要求傳達物體獨特的重量和真實感。
利用數量的對比關系，可以產生多樣統壹的效果。在繪畫中，根據幾何透視和空氣透視的原理，空間感描繪出物體之間的距離、層次、穿插等關系，從而在平面繪畫中傳達出壹種深邃的立體感。
體積繪畫術語。指在繪畫平面上展示的視覺對象能給人壹種占據三維空間的立體感。
在繪畫中，任何可見的物體都是由物體本身的結構決定的，由不同方向和角度的塊組成。因此，需要把握被畫物體的結構特征，分析其在繪畫中的得體關系，以達到體量感。
透視畫的理論術語。“perspective”壹詞源於拉丁語“perspclre”。
起初，透視學是通過壹個透明的平面看景物，並在這個平面上精確地畫出景物，即形成景物的透視圖。後來根據壹定的原理，用線條表現壹個物體的空間位置、輪廓和投影的科學，叫做透視學。
明暗繪畫術語。指繪畫中物體的光線、背光、反光部分的亮度變化以及這種變化的表現方法。
壹個物體在光照下有三種亮暗狀態，稱為三大面，即亮面、中面和暗面。三大面的光和色壹般都是中間偏暗。
三大面的明暗壹般表現為五個基本層次，即五種色調:①明面始終受光；(2)灰面——中面，半明半暗；(3)亮部和暗部的分界線；(4)暗側上的背光部分；⑤反射受周圍反射影響的單個表面的暗部和亮部。根據明暗的高低來描繪物體，壹直是方畫的基本方法。
文藝復興時期，瓦薩裏曾在《藝術家列傳》中說:“作畫時，在畫出輪廓後，用陰影來大致區分明暗，然後在單間裏仔細地展示明暗，明亮的部分也是如此。”倫勃朗是歐洲畫家中的陰影技巧大師。
輪廓造型藝術術語。指定義績效對象範圍的邊緣線。
在繪畫和雕塑中，輪廓是否正確被視為作品成敗的關鍵。構圖和造型藝術術語。
指作品中藝術形象的結構配置方法。它是造型藝術表達作品思想內容、獲得藝術感染力的重要手段。
色彩繪畫的重要因素之壹。各種物體不同程度地吸收和反射光線，作用於人的觀眾席，是壹種復雜的現象。
由於物體的紋理不同，對各種顏色的光的吸收和反射程度不同，所以世間萬物都形成了千變萬化的顏色。色調顏色可以呈現的定性外觀。
自然界中不同的色調是無限豐富的，比如紫紅色、銀灰色、橙黃色。色度是指顏色本身固有的明度。
例如，在七種基本色調中，紫色* * *最暗，黃色* * *最亮。聲調也叫聲調。
在具有壹定色相和明度的光源色的照射下，物體表面被籠罩在統壹的色彩傾向和色彩氛圍中，這就是色相。顏色沒有屬性。
顏色基本上分為暖色(也叫熱色)和冷色(也叫冷色)。紅、橙、黃是暖色，給人溫暖、溫暖、外向的感覺。
8.繪畫常識是什麽，如何掌握？
繪畫常識藝術通常是指繪畫、雕塑、工藝美術、建築藝術等在空間中進行的、表達的、訴諸於人的視覺的藝術。
十七世紀歐洲開始使用這個名稱時，泛指繪畫、雕塑、文學、音樂等具有美學意義的事物。當我在五四前後開始普遍使用這個詞時，它也有相當於整個藝術的意思..
例如，魯迅在1913年解釋“藝術”壹詞時寫道:“藝術是壹個詞...翻譯自英文love。愛雲的人原籍希臘，他們的友誼是藝術。
不久後，我國用“藝術”壹詞翻譯了“愛情”，“藝術”壹詞成為專指繪畫等視覺藝術的名稱。造型藝術中創造藝術形象的技巧和手段。
如借助色彩、明暗、線條、解剖、透視作畫；雕塑靠的是體量和結構。這些技法和手段，通過長期的藝術實踐，形成了這些造型藝術獨特而特殊的藝術語言，決定了這些藝術不同的表現規律，關系到造型藝術形象的成敗和藝術作品的感染力。
藝術家對造型表現手段規律性的不斷探索和提高，是藝術創作表現新的生活內容，滿足人們不斷發展的審美愛好的必要條件。黃金分割也被稱為黃金律和黃金比例。
在壹條線段上，按照最優的長寬比將線段分為長段和短段，或者按照最優的長寬比形成壹個矩形的長邊與短邊的最優比，即黃金分割。二次元繪畫術語。
指長度(左右)和高度(上下)組成的平面空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，我們常常運用透視、明暗等造型手段，在第二空間的平面上創造出物象的深刻感和立體效果，也就是用第二空間創造出自然物的三維空間的錯覺。
有些畫，比如裝飾畫、圖案畫，並不要求很強的深度效果，而是刻意追求第二空間的平面意義，以獲得藝術表現力。立體畫術語。
指長度(左右)、高度(上下)、深度(縱深)組成的三維空間。在繪畫中，為了真實地再現物象，需要在平面上表現出三維空間的立體感和縱深感。
肌理繪畫、雕塑等造型藝術通過不同的表現手法在作品中表現各種物體的特征，如絲、皮、水、石等不同的質性特征，給人以真實感和美感。借助明暗、色彩、線條等造型因素，量感表達的是對壹個物體的重量、粗細、大小、數量的感受。
如巖石的莊嚴，風煙的輕盈。繪畫中所有表現現實的物體都要求傳達物體獨特的重量和真實感。
利用數量的對比關系，可以產生多樣統壹的效果。在繪畫中，根據幾何透視和空氣透視的原理，空間感描繪出物體之間的距離、層次、穿插等關系，從而在平面繪畫中傳達出壹種深邃的立體感。
體積繪畫術語。指在繪畫平面上展示的視覺對象能給人壹種占據三維空間的立體感。
在繪畫中，任何可見的物體都是由物體本身的結構決定的，由不同方向和角度的塊組成。因此，需要把握被畫物體的結構特征，分析其在繪畫中的得體關系，以達到體量感。
透視畫的理論術語。“perspective”壹詞源於拉丁語“perspclre”。
起初，透視學是通過壹個透明的平面看景物，並在這個平面上精確地畫出景物，即形成景物的透視圖。後來根據壹定的原理，用線條表現壹個物體的空間位置、輪廓和投影的科學，叫做透視學。
透視有三種:1彩色透視，2消失透視，3線透視。這是達芬奇總結的，最常用的是線透視。透視在繪畫中占有很大比重。它的基本原理是在畫家和被畫物體之間想象壹塊玻璃，固定眼睛的位置(用壹只眼睛看)，用眼睛連接物體的關鍵點，形成視線。與想象中的玻璃重新連接。玻璃上每個點的位置就是妳要畫的三維物體在二維平面上的位置。這就是西方古典繪畫中透視的應用方法。比如中國畫的透視應用:(1)多視點中國畫擅長表現豐富的情節，西洋畫講究單視點(類似攝影)。中國畫所強調的豐富情節，不是單壹視點就能完成的。所以中國畫是用多個視點來表現的(類似於把壹個相機的多個鏡頭拆分重新組合)。比如(2)相機的高度用微斜的透視來表示，遠處常畫“遠山高”的山，由雲相連。表現出壹種人比山高的感覺。中國畫不用特寫來表現山。(2)長途國畫強調“爭壹樹，奪壹寸豆。”所以畫家壹定要用長焦來表現自己。畢加索的作品打破了透視的基本規律，將壹個物體的正面和背面展現在二維空間中。要理解畢加索的畫，首先要拋棄透視法。現在畫家已經開始無視壹切規則，試圖打破它們。但是這些實踐是在壹個基本的哲學規則中——打破舊規則，創造新規則。視角。中心點:即畫家的眼睛正對著眼睛水平線上的壹點。
觀點:是畫家眼睛的位置。視中線:連接視點和中心的線，與視地平線成直角。
消失點:壹個有角度的物體，不平行於畫面，在透視中到達視在地平線中心兩側的消失點。天點:它是壹個傾斜的物體(在房子屋頂的前面)，消失在明顯的地平線之上。
位置:它是壹個近高遠低的傾斜物體(在屋頂後面)，消失在明顯的地平線以下。