壹種由斯卡（Ska）和洛克斯代迪（Rock Steady）音樂演變而來的牙買加流行音樂。事實上，很難在洛克斯代迪和雷鬼之間劃出明確的界限。只是後者較前者更為細膩，更多地使用電聲樂器和更加國際化。如果說斯卡音樂還只是在美國流行音樂的影響下產生的壹種拉美流行音樂的話 ，那麽雷鬼則已發展成為歐美搖滾樂主流中的壹種重要體裁了。
在1968年左右形成於牙買加(Jamaica)起因是在'60年代，美國音樂工程師興起和引導的壹種音樂表現方式，部分音樂工程師因此出走，尋求靈感。其中有壹些來到牙買加。牙買加境內原本就有壹些遊唱藝人存在，所以壹直有股民謠氣息在醞釀著；所以這壹批美國音樂工程師的到來，對牙買加而言不啻是個提升音樂水準的契 機。加上當地的樂師勇於創新，肯於接受外來事物，於是給予新音樂的創造背景。
雷鬼音樂發源於牙買加，其根源來自New Orleans的R&B。 當時牙買加的樂手根據廣播中聽到的New Orleans快節奏R&B，發展成屬於自己的R&B音樂。 這種稱為Ska的音樂型態，在當時60年代相當盛行。然而在壹次非常熱的夏天， 當地的人無法在高溫的戶外彈奏如此快節奏的音樂及跳舞。 當地的樂手就將音樂放慢，而形成了 Reggae音樂。 Reggae這個字是源自於「Ragged」，代表牙買加不修邊幅的舞蹈形式。
而在'60年代中期，牙買加已形成壹種音樂形態「Ska」，基本上已有雷鬼的影子在，但這種音樂的節奏很快；後來又發展成「Rock Steady」，節奏變得比Ska慢，再經轉 變之後，並融入「Soul」(靈魂樂)，於'68年左右，「Reggae」正式成形。
雷鬼音樂結合了傳統非洲節奏，美國的節奏藍調及原始牙買加民俗音樂， 這種風格包含了”弱拍中音節省略”，“向上拍擊的吉他彈奏”， 以及”人聲合唱”。 歌詞強調社會、政治及人文的關懷。
雷鬼樂是早期牙買加的流行音樂之壹，它不僅融合了美國節奏藍調的抒情曲風，同時還加入了拉丁音樂的熱情。另外，雷鬼樂十分強調vocal的部份，不論是獨唱或合唱，通常它是運用吟唱的方式來表現，並且藉由吉他、打擊樂器、電子琴或其他樂器帶出主要的旋律和節奏。而在雷鬼樂當中，妳還會發現電貝斯占了相當重要的比例！雷鬼樂是屬於四四拍的音樂，重音落在第二和第四拍。從音樂中大鼓的部份，我們可以清楚的聽出壹個明顯的節奏和固定的旋律線。擁有自成壹派、懶洋洋的獨特節奏。
Reggae的誕生頗為輾轉：它演變自Ska，壹種急速，結集?古巴/非洲爵士樂及美國節奏藍調的音樂，後來經美國新奧爾良的樂手改良後變成了雷鬼，再傳回牙買加。雷鬼與搖滾樂壹樣，只是壹個統稱，其支派非常多，有迷幻的Dub、類似R&B的Rocksteady、跳舞節奏的Ragga，Dancehall Rapping等等，是牙買加最聞名的出產
推薦雷鬼樂歌手:
Bob Marley : 有人尊稱他為「雷鬼樂之父」，為牙買加人。他的音樂到他去世( 1981年5月)之後才廣為世人推崇。
UB40 : 英國曼徹斯特起家，致力推廣雷鬼樂不遺余力。有人稱他們為「雷鬼樂教父」.
個人推薦歌曲:Bob Marley 的早期專輯的壹首歌 <<Positive Vibration>>,LZ可以去電驢上搜搜他的專輯,很多都是不錯的
藍調
藍調（英文：Blues，解作“藍色”，又音譯為布魯斯）是壹種基於五聲音階的聲樂和樂器音樂，它的另壹個特點是其特殊的和聲。藍調起源於過去美國黑人奴隸的靈魂樂、贊美歌、勞動歌曲、叫喊和聖歌。藍調中使用的“藍調之音”和啟應的演唱方式都顯示了它的西方來源。
藍調對後來美國和西方流行音樂有非常大的影響，拉格泰姆、爵士樂、藍草、節奏藍調、搖滾樂、鄉村音樂和普通的流行歌曲，甚至現代的古典音樂中都含有藍調的因素或者是從藍調發展出來的。[1]在詩歌裏這個詞常被用來描寫憂郁情緒。藍調壹詞是與“藍色魔鬼”（Bluedevils）壹致的意思，意思是情緒低調、憂傷、憂郁。早在1798年喬治·科曼就寫過壹部名為《藍色魔鬼，壹幕滑稽戲》的滑稽戲。19世紀裏這個詞被用來表示震顫譫妄和警察。在美國黑人音樂中這個詞的應用可能更老。1912年孟菲斯威廉·克裏斯托弗·漢迪的《孟菲斯藍調》是這個詞在音樂中最早的書面紀錄。
藍調音樂始於二十世紀初美國的南部。其中亦混合了在教會中類似朗誦形式的節奏及韻律。
這種音樂有壹種很明顯的特式，便是使用類似中國民俗唱山歌的“壹呼壹應”的形式進行，英文叫作“Call and Reponse”。樂句起初會給人們壹種緊張、哭訴，無助的感覺，然後接著的樂曲便像是在安慰、舒解受苦的人。就好像受苦的人向上帝哭訴，而其後得到上帝的安慰與響應！
所以藍調音樂很著重自我情感的宣泄和原創性或即興性，這種即興式的演奏方法，後來慢慢地演變為各種不同類形的音樂，如Rock and Roll、Swing、Jazz......所以藍調亦是現代流行音樂的根源。
至於口琴被廣泛用於藍調音樂中是起始於約二十年代中，那時候在美國當地有很多街頭藝人表演音樂，他們常用樂器是五弦琴、鼓、和壹種叫“pan quill pipes”的吹奏樂器。而由於吉他和口琴的性能比這些傳統樂器好和更適合於空曠的地方表演，所以漸漸地口琴便常被用作吹奏藍調音樂。
及後三十年代左右，很多黑人移往大城市芝加哥居住，藍調音樂和藍調口琴亦隨之在芝加哥這地開支散葉，及後更自成壹派名為Chicago Blues。
在聽藍調音樂的時候，妳會發覺它們好像都依著壹個相同的曲式來進行。其中原因是因為藍調音樂會常用到壹種標準曲式，名為12 Bar Blues。
由於藍調成形於其個人表演，因此要指出所有藍調的***同特征很難。但在現代藍調出現以前所有的美國黑人音樂有壹定的***同點。最早的藍調式的音樂是壹個“功能式的表達，其啟應的歌唱沒有任何伴奏、和諧，不拘束於任何形式，沒有任何特別的音樂結構。”這些從奴隸田野工作時的叫喊和呼喚來源的藍調以前的音樂逐漸擴展為“簡單的、帶有感情內容的單聲歌”。今天的藍調可以看作是基於歐洲的和弦結構和從非洲的啟應傳統上發展為歌唱與吉他的交替演奏的音樂。
許多藍調的元素，比如啟應的形式和使用的藍調之音都可以追蹤到非洲音樂。西爾維安·迪歐弗（Sylviane Diouf）指出壹定的特征——比如使用花音（melisma）和輕的、鼻音聲調——似乎說明藍調與中非和西非音樂的聯系。民族音樂學家格哈特·庫比克（Gerhard Kubik）可能是第壹個指出藍調的壹定元素來自非洲的人。比如庫比克指出漢迪在他的自傳裏所描寫的使用刀刃來彈吉他的密西西比技術在西非和中非文化裏非常普遍，當地的類似吉他的二十壹弦豎琴（Kora）是最常用的歌唱伴奏弦樂器。這個技術包括吉他手用刀壓吉他的弦，它可能是滑音吉他（Slide guitar）技術的來源。
後來藍調又吸收了黑人音樂中走唱秀（minstrel show）和黑人聖歌（Spiritual），包括其樂器和和弦伴奏。藍調與拉格泰姆的關系也很密切，不過藍調更好地保存了“原始非洲音樂的旋律結構”。[5]早期的歌的結構非常不同。在鉛肚（Leadbelly）和亨利·托馬斯的錄音中可以找到這個時期的歌。但是後來基於主音和聲、次屬音和聲和全桔第五音和聲的藍調形式成為最普及的形式。今天被看作是典型的12節藍調是1900年代初在密西西比河下遊的黑人社群中出現的，這個過程既有口述歷史也有樂譜的紀錄。孟菲斯的比爾大街是早期藍調形成的地方之壹。
個人推薦歌曲:藍調女王Sarah Connor的<<just one last dance
>>,<<bounce>>,<<christmas in my heart>>,<<love is color-blind>>,<<living to love you >>
R&B 音樂
R&B，也稱RNB，它的全寫是Rhythm and Blues，譯作「節奏怨曲」或「節奏布魯斯」。融合了爵士樂,福音音樂和藍調音樂的音樂形式。這個音樂術語由是美國告示牌雜誌（Billboard）於1940年代末所提出。它衍生了多種不同音樂類型，如我們熟悉的Rock'n'Roll，Disco和Rap，都可算是由R&B發展而成。
R&B的前身，出現在40年代的美國黑人區。
那時，負擔得起多姿多采娛樂的人不多，熱愛音樂的黑人就喜歡茶余飯後聚集街頭，以吉他和口琴等簡單樂器玩奏音樂，壹抒生活、工作、離鄉別井等種種感受。這就發展出藍調(Blues)——R&B的前身。
隨著錄音帶的發明，和越來越多的小型電臺出現，藍調音樂開始跳出黑人圈子，在芝加哥流行起來。不知是否因藍調音樂說愁說得太久，樂迷都渴望聽到節奏感強、調子節拍明快，內容又不太悲傷的藍調歌曲。
但r&b這個術語最初在1947年的美國被公告牌雜誌的Jerry Wexler創造為壹個音樂的市場營銷術語,取代了種族音樂(最初來源於the black community,但是被戰後的社會認為會令人很不愉快的詞語) and the Billboard category Harlem Hit Parade in June 1949. 這個詞最初被用於定義包含了12種布魯斯格式and boogie-woogie with a back beat的搖滾音樂，後來這種音樂轉變成了壹種rock and roll的基礎元素。
在 “Rock & Roll: An Unruly History” (1995)中 Robert Palmer 把節奏布魯斯定義為a catchall rubric 用來refer 任何壹種美國黑人創造的音樂。在他1981年出版的 “Deep Blues”中， Palmer 用 "r&b"作為跳躍布魯斯的縮寫. Lawrence Cohn, “Nothing But the Blues”的作者, 寫到節奏布魯斯是壹個umbrella term industry convenience為所發明的, 除了古典音樂和宗教音樂，節奏布魯斯包括了所有的黑人音樂，除了那是壹首福音歌並且其銷售足以打入流行榜。
在1960年代, 節奏布魯斯被用於總括靈魂和funk音樂的術語。而現在R&B的縮寫差不多壹直被用於代替full節奏布魯斯，參考有迪士高發展而來的現代靈魂和funk影響的流行音樂， 這個詞的主流運用變得不那麽流行。
樂手們順應大眾口味的轉變，在作品中加入鋼琴、鼓、色士風和當時的超新科技——電子吉他，讓聽眾可隨著這種節奏感(Rhythm)強的新派藍調音樂(Blues)起舞，成就了經典的「節奏怨曲」。
我們也不能忘掉經典的new jack swing時代，那時代的r&b是hip-hop和r&b的大融合，壹個個的專輯都是經典的new jack swing快節奏歌曲加上2-3首ballad，這是那時代統壹的標準。
個人推薦歌曲:R.kelly的代表作<<I believe I can fly>>, Usher的《yeah！》, Mariah Carey的`《hero》《obsessed》《we belong together》,NE-YO的所有歌曲都可以聽聽.
電音
用數碼信號模擬各種樂器音色，從而制作（或演奏）出來的音樂為電子音樂；通常由計算機或合成器模擬。有兩種方式實現：
1、將樂譜輸入計算機，制作成擴展名為mid的文件，由計算機直接可以播放，這是我們通常所說的MIDI；再進壹步還可以通過錄音制作成MP3、MP4或CD格式，制作成可用於銷售的CD唱片；
2、直接由電子合成器模擬樂器音色，有合成器演奏員直接演奏出來。也屬於電子音樂的範疇
這類音樂應該是屬於21世紀的新流派音樂.
個人推薦歌曲:Maxim的<<Music For Jilted Generation>>,<<My Web>>
搖滾
所謂搖滾，就是三和弦加強硬持續的鼓點加上口的旋律。搖滾不僅是壹種音樂形態，實際上它是壹種“人生的態度和哲學”，也正因為如此，搖滾樂才有別於壹般流行音樂(Pop Music)。真正的搖滾文化至少可以提煉出這樣壹個縮微的全貌：嬉皮文化、藝術搖滾、朋克樂、先鋒音樂、重金屬等。 從20世紀50年代起，人們在廣播和唱片中熟悉了壹種新的流行音樂，這種音樂每壹拍節奏都非常強烈，歌詞寫的也十分新鮮，壹下子征服了許多美國人的心。1951年，美國克利夫蘭電臺首次播放這類音樂時，為了使聽眾感到新穎，壹位名叫艾倫·弗裏德的播音員在播放前介紹時，給這種聲音命名為“搖滾樂”。據說該名取自黑人壹首淫穢的歌曲，叫做《我的寶貝以固定的滾動搖曳我》。1955年，壹位名叫比爾·哈雷的歌星演唱並錄制了壹張名叫《不停的搖滾》的唱片，引起了極大的轟動，前後出售了1500多萬張，成為世界上最暢銷的唱片之壹，搖滾音樂的名稱便由此而來。
早在30年代初期美國就有首歌叫做Rock&Roll，但當時並沒有這種音樂名稱。此壹名詞出現最被大家認識是DJ- Alan Freed於1951年在他的廣播節目中首先使用了『搖滾音樂會』這個名稱，據說紐約現今仍尊稱他為搖滾樂之王。 而又在比爾亨利-Bill Haley和他組的彗星樂團-His Comets以壹曲Rock Around The Rock於55年在排行榜呆了8周之久，在此曲大放異彩的推波助瀾下，Rock便為世人所熟知，是故有人稱1955年為Rock Era，而比爾亨利也得搖滾之父的雅號。
早期搖滾的音樂來源非常廣泛，主要的包括布魯斯、R&B、和鄉村音樂，其它還有福音音樂、傳統的流行樂、爵士、以及民間音樂。所有的這些影響加在壹起構成了壹種簡單的以布魯斯為基礎的歌曲結構，它是快速的、適於跳舞的、而且容易讓人記住的。第壹批搖滾明星們 — Chuck Berry, Elvis Presley, Little Richard, Jerry Lee Lewis, Buddy Holly, Bo Diddley, Bill Haley, Gene Vincent, the Everly Brothers, Carl Perkins,還有好多其它的明星 — 確立了搖滾樂的模式，並且在以後的四十年內都壹直為人們所追隨。在每壹個十年當中，總是有很多藝人復制著第壹批搖滾樂手們的音樂，而剩下的那些藝人，有的擴大了搖滾原先的定義、有的則徹底打破了這種流派被限定的模式。從英式入侵、民間搖滾、迷幻搖滾，再到硬搖滾、重金屬、華麗搖滾，再到朋克，事實上每壹種搖滾的分支流派在產生的最初都是忠於搖滾最基本的結構的。但是壹旦這樣的改變發生，傳統的搖滾就從流行榜上漸漸消失了 — 當然，也有壹些藝人始終都保持著光芒。有壹些樂隊，比如 the Rolling Stones 和 the Faces,他們始終堅持著傳統搖滾最基本的規則，但他們把音樂做得更加快速更加自由。其它的壹些樂隊，比如原型朋克the Velvet Underground, the New York Dolls, 以及 the Stooges,他們保留了基礎的音樂結構，但他們的行為中有了更多威嚇性的元素。還有壹些藝人成為了搖滾的傳統主義者，比如 Dave Edmunds 和 Graham Parker, 他們寫的歌出的唱片，從來就沒有離開過50年代末60年代初的搖滾模式。雖然在搖滾出現後的這幾十年裏，搖滾這個詞已經開始指代越來越多不同的音樂風格，但是這種音樂的本質從未改變過。
緣於美國的搖滾樂在60年初終於發生了巨變，那就是由The Beatles開始壹群英國樂團在壹瞬間打進了美國市場，就有人將這件事稱為第壹次英倫入侵，不過還好當時在美國仍有壹些團和他們分庭抗禮，如組合相似披頭而曲風充滿沙灘、陽光、美女、浪板等加州美景的Beach boys 。此外充滿民族曲風的名謠搖滾亦緊接而生，但除了Bob Dylan外，以居爾特或愛爾蘭等曲風鮮明的英國歌手亦不乏其中，但在60年代末美國樂團又再次主領大局，那就是以3J(Jim morrison、Jimi Hendrix及Janis Joplin)引領而起的迷幻搖滾成為當時最受歡迎的搖滾樂，不過除了Grateful Dead外大部分的迷幻團都相當早夭，在迷幻搖滾勢微後，隨即邁入風光的搖滾年代。
經由60年代的鋪陳，遂使70年代的搖滾曲風豐富至極，由David Bowie引領而起的華麗搖滾就是在70初崛起的，此外為了不囿於既有的搖滾類型，前衛搖滾、古典搖滾和藝術搖滾也隨即而起並成為當時樂界的新像，既而爵士搖滾亦逐漸揚名，此外橫跨整個70~80年代最受歡迎且最長壽的重搖滾（重金屬）產生了，或許在現在而言Led Zeppelin、Deep Purple、Black Sabbath的分貝solo，然而在當時可說是震耳欲聾的搖滾類型了，此後經由不斷的演進heavy metal壹直受搖滾迷的青睞，此外在70年代還有跟HM曲風迥異的鄉村搖滾、加州搖滾和南方搖滾亦深受歡迎。假若我們說60年代的盛事是英倫入侵，那70年代的盛事非瞬間竄起於70年代末的龐克搖滾莫屬，但就如60年代末的迷幻搖滾般，龐克亦不長命。
進入80年代除了初期仍還有龐克風外，夾著70年代余威的重金屬便成為領導地位，且幾乎風光的80年代都是由重搖滾(重金屬)攏斷，但他們仍是求新求變的，風格決不同以往，故又有新浪重金屬的稱號，在重搖滾的強勢下，除了藍領搖滾、流行搖滾和融合雷鬼曲風的搖滾外，要能闖出壹片天就得以技巧取勝，所以壹些強調速彈和速度的搖滾遂應運而生，而他們引起的風潮亦不容小覷，至今速金仍然有廣大的聽眾。
接著90年代初期引領搖滾潮流的即是西雅圖之聲油漬搖滾，但隨即被充滿電子音樂的英倫搖滾所淹沒，而因這些來自英國各地的樂團很快的征服新壹代的搖滾迷，故將之稱為第二次英倫入侵。此外90年代末期帶有龐克風或充滿電音的的壹些另類搖滾也虜獲相當多的歌迷。或許搖滾風潮不在，承如麥克阿瑟所言老兵不死只是雕零，但搖滾新血不斷產生，電音、工業、嘻哈...，或許搖滾曲風已不若以往，但至少是另壹種搖滾型態的延續。
個人推薦歌曲: The Beatles的<<yesterday>>,<<let be>>.
Suede的<<So Young>>,Bob Dylan的<<hurricane>>,<<sara>>,還有queen，Nirvana，Radiohead，Led Zeppelin，The Rolling Stones等這些大牌搖滾樂隊的歌曲都可以去找來聽聽。
爵士
爵士樂：是爵士舞起源的重要原動力，但現代爵士舞也受到古典音樂、搖滾樂、迪斯可和hip hop得影響，發展出modern-jazz、disco-jazz、rock-jazz、new-jazz等。
爵士的起源(1)：Ragtime Blues與已有形式融合
事情發生在1917年的壹個夜晚，在紐約的壹家名叫賴森威的夜總會裏出現了壹個由五個白人組成的樂隊，他們自稱為“正宗狄克西蘭爵士樂隊”，他們演奏著壹種十分新奇的音樂，這種音樂似乎有壹種特殊的魅力，使跳舞的人感到十分輕松，而且越跳越高興。第二天壹家雜誌對這壹事件進行了報道和評論，立即在社會上產生了很大反響。隨後，這壹樂隊錄制的唱片也被人們競相購買，同時，爵士這壹次也成為美國詞匯中的常用詞了。
它們還鮮有那種衍生出現代爵士樂的基本特征(即興，音色、音高與時值上的微妙變化)。壹些熱衷於報道爵士音樂的專欄作者與觀察者，通常本身並非是受過專門訓練的音樂研究者。當我們想從他們的報道中了解些專業的知識時經常會陷入困窘之中，因為訪談中記錄下的對話通常很少涉及實質性的問題(從早期爵士樂手演奏角度提問的)。采訪者幾乎不會問及這些早期音樂家有關音樂方面的關鍵性問題，而把采訪角度傾向於個人經歷與社會話題上。即使采訪者問及探索音樂方面的問題，被采訪者的如實回答也比不上壹段真實的音樂資料來得準確與有價值。爵士樂的起源問題始終籠罩著壹層迷霧，然而，接下來我們還是嘗試著整合壹下從各個角度對這個問題的研究成果。當妳閱讀時，始終要記著爵士樂並不是完全這樣起源的，即使這些觀點看上去多麽得合理與符合邏輯。
爵士樂源自於二十世紀初期新奧爾良壹帶民間音樂、流行音樂、古典音樂的融合。它至少是由兩股潮流演變發展而來，壹是美國黑人在音樂上的創造性的貢獻－Ragtime和Blues，這在後面我們會談到；其二是壹些已有的音樂形式(當時的流行音樂、進行曲、四對舞曲quadrilles等等)表演上往兩個特殊方面的不斷探索。壹種是強調色彩化地變換音高，這種音高變換在正統的歐洲音樂中會被視為離調、走音，但在爵士樂中卻很常見不被看作為是出錯或非正規的演奏技巧；另壹種是強調音色的粗獷與變化。這兩種以外還有壹種特殊的演奏方式被稱為Ragging，Ragging是指為了選擇音符切進或強調重音而搶拍、拖拍的手法，它把本不切分的音型進行切分處理來造成Ragging的效果。這使得音符與音符以壹種含糊不清的方式來連接，而重音則起到壹種推動音符和使之生動化的作用，最終導致我們現在視作為爵士樂的特殊節奏效果的形成，也是爵士搖擺感的構成基礎之壹。但是壹般的學者在這壹點上不全這麽認為，他們中大多數把爵士樂的搖擺感看作是非洲或美國黑人的壹大貢獻。
個人推薦歌曲：卡桑德拉·威爾森的《新月的女兒》，Sade的那張《Lovers Rock》的專輯所有歌曲都可以去聽聽。